吳冠中(1919~2010)，是20世紀現代中國繪畫的代表畫家，中國繪畫藝術大師 。難道你說的是羅貫中？那是元末明初的人

畫布油畫 文藝復興時期 油畫已基本成型

泉法國安格爾作為法國古典主義畫派最后的代表，安格爾代表著保守的學院派，與當時新興的浪漫主義畫派對立，形成尖銳的學派斗爭。泉安格爾安格爾并不是生硬地照搬古代大師的樣式，他善于把握古典藝術的造型美，把這種古典美融化在自然之中。他從古典美中得到一種簡練而單純的風格，始終以溫克爾曼的靜穆的偉大、崇高的單純作為自己的原則。他的繪畫吸收了15世紀意大利繪畫、古希臘陶器裝飾繪畫等遺風，畫法工致，重視線條造型，尤其擅長肖像畫。在具體技巧上，務求線條干凈和造型平整，因而差不多每一幅畫都力求做到構圖嚴謹、色彩單純、形象典雅。這些特點尤其突出地體現在他的一系列表現人體美的繪畫作品中，如《泉》、《大宮女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等。1805年，安格爾完成了《里維耶夫人肖像》一畫，這幅肖像在色彩方面無疑也是安格爾的杰作之一。勻整的顏色如同鑲嵌一樣和諧地結合在一起，色彩顯示著形體，帶有某些起伏的暗示，但沒有求助于陰影。身體和衣服用象牙白突出來，組成畫面的受光部分，深藍色的沙發則組成畫面的陰影部分。這兩種顏色都被納入到黑色的背景之中。紅、黃兩色的小小變化無害于整體效果。個性和樸實的表情、明暗和單純——使這幅肖像畫別有一種優美滋味的就是這些。這幅作品于1806年在沙龍中展出，但是它獨特的、革命的、哥特式的風格特點招來了許多批評家的憤怒。事后，安格爾去了意大利，在當時奉承研究15世紀的佛羅倫薩繪畫，目的是要把自己的風格提高到文藝復興時期的水平，改造當時的繪畫。他曾說過：“藝術發展早期階段的那種未經琢磨的藝術，就其基礎而論，有時比臻于完美的藝術更美。”那時他被中世紀的藝術深深吸引著。1824年安格爾在巴黎開辦了自己的學校，那些追求原始主義的年輕人都投向了他。他追求直率而純潔的原始風格，把宗教畫當作心愛的體裁，對中世紀文藝復興時期感興趣。他認為使藝術健全的道路在于通過希臘人和拉斐爾·桑西去研究自然，注重細節的刻畫，而主要是務求線條干凈和造型平整。他強調純潔而淡漠的美，這與大衛的藝術觀點是相對立的。在對待古希臘的態度上，安格爾無疑投入了更多的感情和熱情。安格爾的聲譽如日中天時，也正是古典主義面臨終結、浪漫主義崛起的時代。他和新生的浪漫主義代表人德拉克羅瓦之間發生許多次辯論。浪漫主義強調色彩的運用，古典主義則強調輪廓的完整和構圖的嚴謹。安格爾把持的美術學院對新生的各種畫風嗤之以鼻，形成學院派風格。安格爾生前享有很大的聲譽，死后安葬在巴黎著名的拉雪茲神父公墓。《泉》大概從1830年安格爾在意大利佛羅倫薩逗留期間就開始醞釀，但一直沒有完稿。最初在安格爾心中構思的泉，是仿效意大利大師們在畫維納斯時的愿望。他早在1807年就畫過一些草圖，后來不滿足前人已畫過的維納斯樣式，企圖使形象更單純化。26年以后，當他已是76歲高齡時才畫完此畫。據說曾有助手幫他繪制，如有人認為這幅畫最初是由他的兩個學生保羅·巴爾澤和亞歷山大·德戈弗協助完成的。叔本華在兩個世紀之前就這樣寫道：“人的相貌有如象形文字，這種象形文字是可以破譯的……他的相貌概括了他所要說的一切。”《泉》表現的是一個寧靜、優雅的少女，帶有天真少女所特有的純潔與青澀、夢幻與活潑，在一泓清泉的流溢下，與蔥郁的背景相得益彰。就畫面本身而言，《泉》把古典美和女性人體的美巧妙地結合在一起，少女的肌肉因安格爾美麗柔緩的曲線而更具魅力，色彩運用的非常柔和而富于變化。從作品的意義而言，《泉》并沒有晦澀的隱喻和做作的批判，僅僅是作者對寧靜安詳的向往之情的藝術依托，是作者畢生追求的美的載體。有一位評論家參觀了《泉》后說：“這位少女是畫家衰年藝術的產兒，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她們各自的美于一身，形象更富生氣也更理想了。”安格爾一生中在裸體素描上下過精深的功夫，而且只有當他面對裸體模特兒時，他的現實主義的真知灼見才特殊地顯現出來。他曾說：“標準的美——這是對美的模特兒不間斷觀察的產物，”還認為一幅畫的表現力取決于作者的豐富的素描知識，撇開絕對的準確性，就不可能有生動的表現。掌握大概的準確，就等于失去準確。那樣，無異于在創造一種本來他們就毫無感受的虛構人物和虛偽的感情。這位古典主義繪畫的末代風流畫家，吸收了文藝復興時期前輩大師的求實的技巧，使自己的素描技巧發揮到爐火純青的境地。不同的只是，像馬薩卓、米開朗琪羅、喬爾喬奈等大師的裸女體現的是一種充滿人性的時代理想，而安格爾在裸女上所寄予的理想，則是永恒的美這一抽象概念。究其實，乃在于尋求以線條、形體、色調相諧和的女性美的表現力。這在他那些描寫土耳其宮女的裸女畫上尤為明顯。晚年，安格爾畫了這一幅《泉》，則進一步反映了畫家對美的一種全新觀念，那就是他深深覺得用精細的造型手段創造一種抽象的古典美典范的必要性。76歲高齡的安格爾，終于在這一幅《泉》上，為他心中長期積聚的抽象出來的古典美與具體的寫實少女的美，找到了完美結合的形式。安格爾經常在同一主題或構思中進行復制，有時花上幾年甚至幾十年的工夫。例如，他的一幅《羅哲與安吉莉卡》有2幅復制，均作于1841年。《保羅與弗朗切斯卡》有5幅復制，最早的作于1819年，其余的分別作于1856年以后。有時，他的這幅畫上出現了另一幅畫上曾經出現過的個別人物形象，比如《瓦平松的浴女》上的形象，再次出現在后來的《土耳其浴室》一畫上；《授圣餐的圣母》中的圣母，是從《路易十三的誓言》一畫的構圖中搬來的，其中有一個天使的臉差不多和他的《土耳其浴室》上的裸女一模一樣。這一幅《泉》基本上與《阿納底奧曼的維納斯》（1848年作，現藏于法國尚蒂伊貢德美術館，畫的內容為從海水泡沫中誕生的女神，故此處畫的是維納斯從海水泡沫中升起，周圍有許多小愛神簇擁著）雷同，僅具有微小的變化。此外，周圍一群小天使形象被刪去了。這種創作特點過去有人認為是安格爾創作思想枯竭的表現，這樣說未免太武斷了些。當然，古典主義畫家除了畫模特兒很少到現實生活中去，但安格爾本人卻解釋為，這是使主題更接近自己的理想，形象更趨完美的一種求索精神的反映。當《泉》完成之后，畫家對人說：“同時出現了5個買主，有人簡直向我猛撲過來。他們爭執不休，我幾乎要讓他們抓鬮。”《泉》確實具有人們所向往的那種純粹的美的品質，盡管她是畫家深藏心底達半個世紀的理想化身，一旦付諸畫布，人們確對這位藝術家的鏤月裁云之作而發出由衷的贊嘆。1857年，《泉》被迪麥泰爾伯爵（也翻譯為為玖沙泰里伯爵）收購，成為私人藏畫品。后根據這位伯爵的遺囑，他的家屬于1878年將此畫贈給國家，成為巴黎盧浮宮內又一鎮館之寶。安格爾愿意把自己稱為歷史畫家，這是因為自17世紀法蘭西皇家繪畫雕刻學院成立以來，傳統的古典主義信徒一直把歷史畫視為最高的等級（第一等級為歷史畫、神話宗教畫；第二等級為風俗畫、肖像畫；第三等級為風景畫、靜物畫）。但是，從美術史的角度來看，安格爾最出色的是肖像畫和人體畫，如果把他的肖像畫和人體畫再加以比較，就會發現他成就最高的是女人體畫。梅杜薩之筏法國籍里科此畫的創作，源于當時的一個真實的丑聞事件。19世紀初，法國海軍部任用了一個根本不懂得航海的人肖馬雷任遠洋船“梅杜莎號”的船長。這艘巨型船在駛往非洲途經布朗海峽時觸礁沉沒，船上有權勢的人都乘小船逃命，遺下150多名乘客和船員。他們為生存造了一只木筏漂泊海上，半個月后得救的時候，筏上生還者只有15人，上岸后又死去2人。這宗海難事件激起法國人的強烈不滿，法國海軍部受到社會各界輿論的譴責。富有正義感的畫家籍里科從這一真實事件出發，創作了這幅世界名作——《梅杜薩之筏》。畫家創作過程中，閱讀了生還者的回憶文字，并訪問了幸存的那幾個人，請他們作指導，還自己做了一只類似梅杜薩的木筏，親自在海上漂泊，以獲取真實的環境、氣氛和對大海風浪變幻的體驗。他構思良久，先后構圖多幅。為了能真實地再現當時的情景，他親自到病院觀察垂死的人的情態。為了描繪死者的肉體色彩，他將解剖的死人體浸于海水中觀察其色彩變化，他還請黃膽病人為他做模特兒，據說病中的德拉克洛瓦就曾做過他的模特兒。這幅畫描繪了遇難者呼救的緊張瞬間，他們居高呼喊遠方的救生船。畫家有意在背景上畫一風帆，逆風將木筏往后吹行，遇難者向往救生船的心情和逆風逐漸將木筏往后吹的現實造成對立的緊張氣氛。激情正是浪漫主義精神所在，但畫中那座人體構成的金字塔不免有古典主義的遺風。在這幅畫中浪漫主義的激情和古典主義的造型交織在一起，構成由古典主義向浪漫主義過渡的杰作。

大碗島上的一個星期日法修拉該畫描寫的是巴黎附近奧尼埃的大碗島上一個晴朗的日子，游人們在陽光下聚集在河濱的樹林間休息。有的散步，有的斜臥在草地上，有的在河邊垂釣。前景上一大塊暗綠色調表示陰影，中間夾著一塊黃色調子的亮部，顯現出午后的強烈的陽光，草地為黃綠色。陽光透過了樹林，而投射在草地上的陰影，被色彩強調得界限分明。赤色、白色的衣服、陽傘和草地都現出一種好像散發蒸氣一般的黃色。色點彼此交錯呼應，給人以一種裝飾地毯的效果。畫上的人物也畫得很可笑，一個個看不清面孔和五官，連輪廓本身也都被小圓點弄得模糊不清了，似乎所有事物都是影影綽綽的。此畫的整個創作過程約分4個步驟：以素描布置明暗對比；以色彩寫生；以寫生為基礎組織背景；以色點完成正稿。在正稿之前，共作素描２０余幅，寫生稿更不計其數。此畫作于１８８４～１８８６年間。畫家整整花了他一年工夫來點他的圓點。當這幅畫在第八次印象派畫展上出現時，立刻引起社會的反應，攻擊和贊揚之聲同時襲來，有的撰文稱它是新風格的展現，有的罵他是帶有稚氣和學究氣的離奇結合。總之，這種新鮮畫法實質上是當時哲學上實證論對藝術實踐的危害作用。塔希提婦女法國高更1873年高更開始繪畫，并收藏印象派畫家的作品。高更早期的繪畫帶有實驗性，也很拘謹，令人聯想起在巴比松畫派影響下畢沙羅的作品。19世紀80年代早期，高更將筆觸放松、變寬，賦予畫面顫動的韻律特點。塔希提婦女高更畫面采取了大面積平涂色塊，在從黃色到各種深淺不同的綠色的色彩結構中，現出兩位婦女的輪廓。雖說是線造型，但人物頭部和手臂卻是以微妙的明暗變化來表現的，她們像淺浮雕一樣出現在背景上。《塔希提婦女》畫面上強烈的陽光使土著居民曬成棕赭的膚色、鮮紅的果物、蘋果綠的腰裙以及背景的深黑都構成鮮明的對比。高更在創作中把這一切都稚拙化了，色彩如此鮮明、純粹，如同發著刺目的光彩，它的裝飾性帶來了粗獷的部落生活氣息，賦予畫面以特殊的風采。他的這種色彩技法，對后來的野獸主義畫派產生了強烈的影響。向日葵荷蘭梵高《向日葵》是在陽光明媚燦爛的法國南部所作的。畫家像閃爍著熊熊的火焰，滿懷熾熱的激情令充滿運動感的和仿佛旋轉不停的筆觸粗厚有力，色彩的對比也是單純強烈的。然而，在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧和靈氣。觀者在觀看此畫時，無不為那激動人心的畫面效果而感動，心靈為之震顫，激情也噴薄而出，無不躍躍欲試，共同融入到梵高豐富的主觀感情中去。總之，梵高筆下的向日葵不僅僅是植物，也是帶有原始沖動和熱情的生命體。梵高的藝術是偉大的，然而在他生前并未得到社會的承認。他作品中所包含著深刻的悲劇意識，其強烈的個性和在形式上的獨特追求，遠遠走在了時代的前面，的確難以被當時的人們所接受。他以環境來抓住對象，他重新改變現實，以達到實實在在的真實，促成了表現主義的誕生。在人們對他誤解最深的時候，正是他對自己的創作最有信心的時候，因此才留下了永遠的藝術著作。他直接影響了法國的野獸主義、德國的表現主義，甚至20世紀初出現的抒情抽象肖像也受到他的影響。亞威農少女法國畢加索亞威農少女畢加索在現代藝術的歷史上，畢加索創作的《亞威農少女》被認為是立體主義的開山之作。從1906年底到1907年初，畢加索畫出了一幅怪畫的初稿，這就是后來的《亞威農少女》。他精心構思的過程和意大利的達·芬奇、法國的杰里柯謀劃杰作的過程相似。1907年初夏，心中有數的他最終在畫布上落筆。畫作橫空出世，其反映現實的力度可謂前所未有，甚至堪稱和同時代的愛因斯坦的理論一樣影響深遠。此畫是過去和未來的分水嶺，文化意義上的20世紀就開始于這一年。在這之后，勛伯格于1909年創作了名曲《期望》，斯特拉文斯基于1910年開始創作名曲《春之祭》，詹姆士·喬伊斯在1914年開始創作《尤利西斯》，那時，畢加索已經進入了立體畫派的最高境界。5名粉紅色的裸體女子，用大大的黑眼睛瞪著你。她們身邊混雜著銀色和藍色布料，其中兩人舉起手臂，凸顯出胸部。另外3人臉部戴著面具。其中，畫面左邊站立一人，戴著褐色面具，右邊兩人則戴著非洲面具，一人站立著從一大塊布料后鉆出來，一人蹲著。一個盤子里裝著水果：一片瘦削的瓜，兩串葡萄，一個蘋果，一個梨。這張裸體畫沒有多少曲線可言，肘部像刀子一樣尖利，臀和腰呈幾何形狀，乳房則像三角形。這畫看上去像正方形（實際上，其高度比其寬度要多出幾厘米），引人專注于其空間感和對稱性，并有著永恒的動感。《亞威農少女》讓人覺得畢加索好像之前從來沒畫過畫。有個藝術史學者甚至稱，在此畫長達半年的醞釀過程中，油畫和素描草稿成百上千，不僅創下了畢加索藝術生涯的紀錄，也令藝術史上其他任何一幅畫作望塵莫及。畢加索知道，自己在創作一件偉大乃至革命性的作品。畢加索創作的靈感來自于妓院里的場景，他準備在畫里加上一個嫖客——一名水手或者作者自己。不過，這幅現存于紐約現代藝術博物館的畫作讓人很難言簡意賅地描述其涵義，很難認出這5個人是妓女，很難認識到此畫表現的是男性的恐懼感。你需要站遠一點，或者把視線變得模糊，才能看清畫作的用意。看著這幅畫，你的思想和眼光甚至會動個不停，得不到一個確定的答案。非洲面具之所以能成為此畫中的道具，正是因為其偽裝性，它能把人變成動物、魔鬼或者神仙。現代主義就是一種戴著面具的藝術，它不會把自己的涵義告訴你。它不是一扇窗，而是一堵墻。畢加索想用此畫表明，藝術中的獨創性并不關乎故事情節與道德，而在于形式上的創造。《亞威農少女》就被偽裝成關于妓院、妓女和殖民主義的作品。18、19世紀的悲劇就在于失去了創造性，同文藝復興時期米開朗琪羅的作品形成了鮮明對比。畢加索所做的就是拼命扭轉這一局面。

【中 文 名】:飛越來生緣/美夢成真【原 片 名】:What Dreams May Come【出品年代】:1998【imdb連接】:http://www.imdb.com/title/tt0120889/【IMDB評分】:6.2/10 (9,329 votes)【國 家】:美國【導 演】:文生華德【主 演】:羅賓·威廉斯、小·古巴·古丁、安娜..【視頻尺寸】:640X272【對白語言】:英語【字幕語言】:簡體中文【內容簡介】克理斯（羅賓威廉斯飾）對發妻安妮（安娜貝拉史歐拉飾）的摯愛，是他心靈的慰藉，生存的動力。從相知相惜到不離不棄，在真愛歸宿里，克理斯與安妮相依相伴，情比石堅。就算為了愛妻安妮，必須上刀山下油鍋，克理斯也在所不辭。偏偏，造化弄人，克理斯這次真的得親赴鬼門關一趟，尋找失散的愛妻。 克理斯在意外身亡后，對于幸福甜蜜的過往仍念念不忘。這些對生前點點滴滴的依戀和回憶，把克理斯帶了一個虛構的世界，一個專屬于他的天堂。一開始眼前震攝人心的景象的確令克理斯心醉神迷、目不暇己，然而驚艷隨即消逝，因為克理斯的天堂使者艾伯特（小古巴古丁飾）親口證實：「克理斯，你不是隱形，你是死了，永遠地離開人世了。」 值得欣慰的是，克理斯發現他專屬的天堂就位于安妮的畫作中。在這個彩繪而成的天地間，克理斯欣喜若狂，因為眼前雄偉壯闊的景象充滿了他和愛妻安妮共有的回憶、編織的夢想。然而沒有安妮為伴，克理斯總覺得天堂里還少了什么似的。另一方面，喪偶的安妮獨活在人世此刻也悵然若失，以往在他畫作中隨處可見的巧思和創意，都隨著克理斯的亡故，離安妮而去。 在得知愛妻永遠不得進自己的天堂之后，克理斯立誓就算上窮碧落下黃泉也要找到安妮的蹤影。于是為愛不顧一切的克理斯，在地獄使者（馬克斯馮西度飾）的引導下，就此展開一段奇幻的旅程，歷經萬象，解救在地獄中飽受磨難、永世不得超生的安妮。 【影評】 在得知愛妻永遠不得進自己的天堂之后，克理斯立誓就算上窮碧落下黃泉也要找到安妮的蹤影。于是為愛 不顧一切的克理斯，在地獄使者（馬克斯馮西度飾）的引導下，就此展開一段奇幻的旅程，歷經萬象， 解救在地獄中飽受磨難、永世不得超生的安妮。 《美夢成真》對未知無懼地探索，試圖具體地呈現虛幻的靈異世界。本片的完成幕前幕后工作人員居功厥 偉：想象力豐富、天馬行空的導演，文思泉涌、令人折服的原著作者，才華出眾的編劇，堅強的演員陣容 。《美夢成真》對死后世界的想象與呈現，不但題材引人注目，在處理手法方面，將幻想、戲劇、 奇景結合在一起，更是電影藝術前所未見的嘗試。羅賓威廉斯就曾說：「很少電影會以生死輪回為題材， 更不用提將場景配樂賦予意涵了。意涵？意涵是什么東西？」羅賓威廉斯說罷大笑起來。「不過，我倒是 從來沒想過計算機科技除了能制造爆破場面以外，對電影制作還有其它助益。這真是太神奇了。」 話說從頭 「很難想象真的有人堅信真愛能使心靈相通，而且不會隨軀體的死亡而消逝，這種美好的信念令人聞 之動容。除此之外，《美夢成真》觸及人類最深層的恐懼和禁忌，教觀眾看完后不得不思考死后將面臨 怎樣的世界。」本片執行制作史考特克魯夫有感而發做了以上的表示。 《美夢成真》拍攝過程要追溯到一九七八年，那年本片制作人史帝芬席蒙 （當時名為史蒂芬杜依奇Stephen Deutsch）收到一份禮物，一份近二十年后他才有能力拆封的禮物。 史帝芬席蒙當時正在籌拍《似曾相識》，該片原著作者理察馬特森把尚未完稿的小說《美夢成真》交給 史帝芬席蒙過目。這本書是理察馬特森為他老婆而寫的。看過初稿之后，史帝芬席蒙毫不遲疑立刻買下此書的 電影版權。然而在接下來的十幾年間，《美夢成真》的拍攝計劃卻一再遭到擱置。 一直到一九九四年，史帝芬席蒙在一個玄學的研討會中，遇見了身兼作家及電影制片的柏奈特拜恩，兩人相談甚歡 ，發現彼此都對死后的另一個世界深感興趣，希望能開拍以此為題材的電影。二年后史帝芬席蒙和柏奈特拜恩 合組Metafilmics制作公司，以拍攝玄虛題材的電影為其宗旨。 《美夢成真》著墨最多的還是克理斯和安妮之間堅定不移的夫妻之情。羅賓威廉斯表示：「安妮曾經瀕臨崩潰， 但他對克理斯的愛不曾稍減，也是這份愛，使他們兩人得到救贖。視覺效果是一回事，但《美夢成真》最不凡的 部份是在于電影中彰顯人性中的無私和愛，在子女、天堂使者、地獄使者身上也可以見到這種特質。這部電影會 讓觀眾忍不住說：『沒錯，我就是這么幸福。』或『唉！我怎么沒這個福份呢？』這正是這部電影成功之處。」 「萬一，」羅賓威廉斯以慣有的逗趣口吻說：「觀眾沒有這種反應，至少，《美夢成真》算得上是很棒的"旅游" 電影，廣告效果十足。想參加"靈界之旅"的人，請打這支電話。」 關于制作 《美夢成真》于一九九七年六月底在蒙大拿冰河國家公園開鏡，75天之后，在舊金山海灣殺青。監制亞倫.布朗奇 斯特提到：「我們的首要之計是如何布置出壯闊的外景。雖然電影中有些畫面是用計算機做出來的特效，不過 大部分畫面中都是實景。」負責園藝的工作人員必須將大量花草運進國家公園里，甚至覆滿整個灣區。 內景則搭建在舊金山的金銀島，該片道具組在當地廣闊的飛機停機棚中建構巨型布景，壯觀的程度比洛杉磯大多數 劇院的舞臺還更勝一籌。其中有一個大池蓄滿30萬加侖的水（約合1136立方公尺），四周是各個不同場次的布景。 監制亞倫.布朗奇斯特就提到，場景設計的工作人員以歌劇舞臺的方式搭建布景：「就像舞臺劇每一幕都要換景， 我們也是每拍完一場戲之后，就把布景拆掉，再搭一個新的。唯一不必變換的就只有做為舞臺中心的大水池而已。」 場景設計尤吉尼歐薩尼提及其它美術設計人員充分了解導演文生華德心目中"彩繪天堂"的模樣。咽氣之后， 克理斯在彩筆輕刷出的花床上悠悠醒來，花瓣正兀自在風中搖曳。尤吉尼歐薩尼提說明：「第二幕主要就是在 這個景中進行，這幅畫面是對"另一個世界"很普遍的印象，不過，透過繪畫的觸感加以呈現，更可以傳達心靈 主觀的感受。我們以這一幕為藍本，再加以發揮、添加更多創意，延伸出其它的場景。」 這群藝術工作者獨到的創作概念，被文生華德形容為「在蒙著十九世紀面紗的油畫上，再覆以一片沾染顏料的 透明玻璃。這種影像處理結合未干油畫的黏濕觸感，及動態的影像攝影，使得成品既符合我的預期，又看得出他們 自己的詮釋。」由于這種影像呈現方式前所未見，因此工作人員共耗時兩年，才將計算機特效和傳統繪畫如此完美地 融合在一起。 漢納克又更進一步說明：「任何一位意大利文藝復興時期的藝術家，例如達文西（Da Vinci），要是聽到我們以 穿過一幅幅畫的方式來表現靈界旅程的話，一定會嗤之以鼻的。但是我們賦予景物主觀的意涵，因此觀眾大可以 有他們自己的暇想空間。」 視覺效果 最先登場的是一場從世界上最高的瀑布，位于委內瑞拉的天使瀑布，一躍而下的特技。特技演員杰克蘭布德 （Jake Lombard）從高達3212呎高（約81.6公尺）的懸崖上縱身下躍，十八秒后拉開隱形降落傘，再經四秒落地。 這場戲共拍了二十二次才大功告成。 觀眾在看到這幕時，就可以了解克理斯在死后，能夠從心所欲、完成任何他想做的事。他能飛翔。這就是特技和 視效共同打造而成的神奇世界。而這還只是《美夢成真》運用特技呈現故事的其中一個例子而已。 這些令人嘆為觀止的特效畫面要歸功于，POP Films 和Digital Domain每一位參與其間的視效魔法師和藝術大師。 他們通力合作將毛片一次又一次地加工處理，使克理斯死后的世界呈現出現實與虛幻并陳的效果。 將平面的繪畫（2-D）轉化為立體的影像（3-D）的工作，從一九九六年十月展開。視效工作小組是由金像獎得主 喬依海內特（及尼克布魯克斯領軍。他們第一個步驟就是使用最新的激光雷達（Lidar）技術，將冰河國家公園的 地形及地表形態制作成圖。這種創新的激光雷達乃是根據光學（light）和雷達（radar）技術沿生發展而來。 激光雷達技術的出現使得工作人員得以在極短的時間內，繪出上百畝土地的圖表，并加以攝影。這種運用雷達 偵測的尖端科技可以提供視效設計的工作人員足夠的資料，作為重現攝影機移動和鏡頭變化的參考。據此， 他們可以在布滿橘色球體的毛片畫面上，更進一步制作出3D的效果。這些拍片現場散滿一地的橘球是用來作為激光 雷達掃描的基準點（point of reference）。 暫且不論視效，制作人柏奈特拜恩也希望觀眾在看完《美夢成真》，步出電影院時，會覺得感動。 「哪怕他們只是就此和家人更親蜜一些，和孩子擁抱時更靠近一點，我們都會覺得自己成就了最美好的事。一部值得收藏的好片子，經典創意的策劃，感人淚下的劇情，美幻美倫的場景，羅賓.威廉姆斯精湛的演出.....下載地址：http://search1.btchina.net/btsearch.php?query=%C3%C0%C3%CE%B3%C9%D5%E6&type=0

總結

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